Próxima inauguración en CaixaForum Madrid: «Alphonse Mucha (1860-1939). Seducción, modernidad y utopía»

El próximo día 29 de abril de 2008 se inaugura esta exposición en CaixaForum Madrid, la primera gran muestra que se organiza en España de la obra de este reconocido artista checo, unos de los máximos exponentes del Art Nouveau.
Para la realización completa del catálogo y del material de exposición, hemos tenido el placer de colaborar muy estrechamente con el comisario de la exposición, Àlex Mitrani, quien ha ideado una original muestra que descubre aspectos inéditos de la obra del artista. No dejéis de contemplar las fotografías que el artista realizaba para preparar sus célebres carteles, y para las que a menudo actuaba como un verdadero director de escena…

ESCRITO POR JUDIT CUSIDÓ EL 17 DE ABRIL DEL 2008

Acaban de llegarnos los ejemplares de cinco volúmenes de dibujos eróticos, con textos de Norbert Wolf, que hemos traducido para Editorial Océano; forman parte de una serie publicada originalmente por Prestel y la edición ha corrido a cargo de Noemí Sobregués, mientras que el diseño es de Maja Kluy. Los artistas elegidos son Oskar Kokoschka, Pablo Picasso, Auguste Rodin, Egon Schiele y Gustav Klimt.

Dice Wolf en el volumen dedicado a Rodin: «La maestría anatómica que presentan las esculturas de Rodin, incluso cuando sus superficies están traspasadas por el patetismo y son formalmente complejas, parece haber sido en gran medida irrelevante en estos dibujos y de linealidad espontánea. Ésta pone asimismo de manifiesto la velocidad a la que solía trabajar el artista, que podía terminar siete dibujos en una hora sin levantar apenas los ojos del papel para mirar a la modelo. Los psicólogos han afirmado que el motivo era la ansiedad del envejecido artista ante la pérdida de la potencia sexual, que buscaba disipar mediante el torrente creativo. Sea como fuere, está claro que los dibujos eróticos cubrían el suelo del taller de Rodin como dictados visuales de su ansia de vida y de deseo. Su falta de detalles controlada confiere a muchos de ellos una modernidad de lenguaje que tiende a la abstracción, algo que influyó de forma explícita o no reconocida en Egon Schiele, Pablo Picasso y Joseph Beuys, mientras que las formas recortadas y montadas en papel tintado introducidas por Rodin (papiers découpés) inspiraron con posterioridad a Henri Matisse. Los experimentos de Rodin con la pasión han dado pie sin duda alguna a muchos vanguardismos artísticos».

ESCRITO POR CARLOS MAYOR EL 8 DE ABRIL DEL 2008

Traducción del catálogo de la exposición y de los textos de sala
Centro: Museo de Bellas Artes de Bilbao, 2008
Comisarios: Cristoph Grunenberg y Laurence Sillars
Coordinación: Miriam Alzuri

Con la excusa de la inauguración, el 3 de marzo, de la retrospectiva de Peter Blake en la que habíamos trabajado, decidimos pasar unos días en Bilbao. Allí estuvo el artista para apoyar esta exposición, presentada en la Tate Liverpool el verano pasado. Blake es uno de los grandes representates del pop art británico, conocido por sus reelaboraciones a partir de imágenes de la cultura pop. El Museo de Bellas Artes de Bilbao presenta más de 100 obras, de museos y colecciones particulares de distintos países, entre pinturas, dibujos y grabados de la amplia producción del inglés, cargada de referencias a la cultura de masas, a la historia del arte y su vida personal.

El catálogo, para el que hemos traducido textos de los comisarios y de Simon Faulkner y Marco Livingstone, y que se ha editado simultáneamente en español, inglés y euskera, incluye una enorme cantidad de imágenes del artista, desde el año 1949 hasta la producción más reciente, como la serie «The Marcel Duchamp World Tour», cinco cuadros en los que Blake reimagina a Duchamp jugando al ajedrez con Tracey Emin y conociendo, entre otros, a Tarzán y a su familia (incluida Chita, de la que el propio artista recuerda que es contemporánea suya y también pinta), a Elvis Presley y a las Spice Girls.

La retrospectiva de Peter Blake puede verse hasta el 22 de junio, pero también pudimos visitar en el mismo Museo de Bellas Artes, el 2 de marzo, la muestra «Colección Arte XX», que se clausuraba ese mismo día y reunía un conjunto excepcional de obras de un coleccionista privado que, manteniendo el anonimato, ha decidido depositarlas en el museo durante un período renovable de cinco años. Se trata de 63 obras de 46 autores, en su mayoría del siglo XX, entre los que destacan Kandinsky, Torres García, Julio González, Picabia, Klee, Picasso, Blanchard, Gleizes, Léger, Braque, Metzinger, Gris, Solana, Chagall, De Chirico, Ernst, Miró, Dalí, Tàpies, Chillida, Millares, Saura, Gordillo, Serra, Kapoor y Barceló.

En el Guggenheim Bilbao, además de apreciar la obra de Frank Gehry, vimos «Cosas del surrealismo» (hasta el 7 de septiembre) y «Art in the USA: 300 años de innovación» (hasta el 27 de abril). La primera muestra explora por primera vez «la influencia del surrealismo en el mundo del diseño: teatro, interiores, moda, cine, arquitectura y publicidad, con cerca de 250 objetos procedentes de colecciones públicas y privadas de todo el mundo», mientras que la segunda busca ofrecer una visión de conjunto del arte estadounidense a lo largo de toda su historia, con 200 obras que reflejan «el resultado de la experiencia norteamericana: sus mitos, sueños, dificultades y debilidades».

Además, tuvimos tiempo para pasear por la ciudad y conocer la costa vizcaína, desde Bermeo hasta Lekeitio. En Bilbao comimos muy bien el restaurante Innova, situado en Bilbao la Vieja, y de maravilla en el Víctor Montes, en la plaza Nueva.

Enlaces de interés:
La inauguración, en El País (en PDF)
Guía de la exposición en la página web de la Tate Liverpool

ESCRITO POR CARLOS MAYOR EL 6 DE MARZO DEL 2008

Casa Asia expone en Madrid y en Barcelona una selección de la obra del fotógrafo indio Raghu Rai. Las imágenes de la muestra cubren un período crucial de la historia de la India, desde 1964 a 2007. Concebidas desde el fotoperiodismo, pero con un indiscutible valor artístico y documental, recogen desde la sugestiva vida cotidiana en el país y sus personajes anónimos hasta hechos que marcaron su historia reciente, como la tragedia química de Bhopal de 1984. También retrata la parte más humana de personajes tan claves del país como son la madre Teresa de Calcuta o la ex primera ministra Indira Gandhi. La muestra coincide, además, con el 60 aniversario de la agencia Magnum, con la que el fotógrafo comenzó a colaborar en 1977 y con la que aún hoy sigue asociado.

La exposición puede verse hasta el 27 de abril.

Enlaces de interés:
Imágenes de la exposición
Fotografías de Magnum

Documental Raghu Rai: Pasajes de la India

ESCRITO POR CARLOS MAYOR EL 6 DE MARZO DEL 2008

Traducció de textos per al catàleg de l’exposició
Centre: Museu de les Arts Decoratives
Del 29 de febrer al 4 de maig del 2008

La idea del buit com a element integral de la pràctica creativa és el punt de partida d’aquest projecte. El tema es planteja com una clau complexa per entendre els processos tant artístics com reproductius al llarg dels segles XX i XXI. El buit, el «no-res», la pausa, el silenci, l’interval, són elements imprescindibles per a qualsevol creació artística.

L’exposició es divideix en cinc àmbits:
• El descobriment del buit: de l’horror vacui al buit
• Experiència positiva/negativa: entre omplir el buit i buidar el ple
• Modelar la memòria/mimesis naturalis: fòssils, empremtes i natures mortes
• Anatomies invertides: del motlle anatòmic al disseny orgànic
• Models i matrius: el buit en el procés industrial

Un escriptori modernista de Henry van de Velde, cadires anatòmiques de Luigi Colani i Günter Beltzig, raiggrafies de Man Ray, els primers dissenys orgànics de Charles i Ray Eames, un canelobre fos en cera d’Òscar Tusquets, una taula de Marc Newson, l’art conceptual de Rachel Whiteread i la matriu del paviment d’Antoni Gaudí formen part de la mostra.

«La utilitat del buit» examina la importància per a la creació contemporània del no res, la pausa, el silenci, l’interval. I ho fa a partir d’una extraordinària selecció de peces de disseny que permeten establir paral·lelismes amb l’arquitectura, l’art, les ciències naturals i l’enginyeria industrial; un joc fascinant que enfronta matèria i no matèria, ple i buit, formes positives i negatives. Més enllà de les implicacions filosòfiques i religioses del tema, l’exposició vol mostrar la relació entre la modernitat i el buit i presentar les aplicacions pràctiques que se’n fan en el procés industrial, amb l’aparició del disseny anatòmic i l’ús de motlles per fabricar tota mena d’objectes. El concepte de l’exposició i la selecció de les peces ha anat a càrrec del dissenyador industrial i teòric del disseny Uli Marchsteiner, actual president de l’ADI-FAD.

La publicació inclou textos d’Isabel Campi, Gillo Dorfles, Daniel Giralt-Miracle i Anthony Vidler, entre d’altres.

ESCRIT PER CARLOS MAYOR EL 5 DE MARÇ DEL 2008

Coordinació de la traducció del catàleg El romànic i la Mediterrània. Catalunya, Toulouse i Pisa (1120-1180) amb un equip d’onze traductors
Català: Mercè Bolló, Maria Carbó, Francesc Massana, Joan Lluís Quilis i Tina Vallès
Castellà: Mercè Bolló, Javier Cisa, Daniel Cortés, Judit Cusidó, Neus González, Isabel Llasat i Meritxell Prat
Centre: MNAC
Disseny gràfic: ortega & palau
Comissaris: Manuel Castiñeiras i Jordi Camps, conservadors del Departament d’Art Romànic del MNAC

«Pocs cops a la vida el públic podrà veure tantes obres mestres del segle XII en un mateix espai. El MNAC, a més de la seva col·lecció d’art romànic, mundialment coneguda, acull fins al 18 de maig un munt de peces procedents de museus europeus i nord-americans que il·lustren un dels períodes i territoris més creatius de l’art romànic: la Mediterrània occidental entre 1120 i 1180. Es tracta d’una ocasió única i irrepetible per la varietat, qualitat, mida i fragilitat de les obres, que sens dubte canviarà la percepció d’un estil que fou l’origen de la cultura europea. A Catalunya, aquesta gran renovació monumental coincideix principalment amb el període del primer comte-príncep, Ramon Berenguer IV (1134-1161), amb la seva unió amb el Regne d’Aragó i amb l’expansió catalana fina a la Provença marítima. Res d’aquest món s’entendria sense la influència d’un centre artístic com Toulouse, que afecta des de Catalunya a la Toscana, o sense la inspiració en el món antic, especialment visible tant en l’obra de l’anomenat Mestre de Cabestany com en els monuments de la ciutat de Pisa.» (Fragment de l’article publicat al núm. 2 de La revista del MNAC per Manuel Castiñeiras i Jordi Camps, comissaris de l’exposició)

L’exposició inclou diferents àmbits: L’època de Ramon Berenguer IV, La monumentalització de les esglésies, Mirades cap a l’antiguitat i Vestir les esglésies: l’altar, el mobiliari, les imatges.

Destaca la reconstrucció virtual en 3D de la portada de Ripoll, realitzada en col·laboració amb l’UPC i basada en un model geomètric tridimensional que permet una observació interactiva del conjunt. El públic té la llibertat d’investigar visualment i descobrir els detalls, produir ombres en els elements escultòrics mitjançant una llanterna virtual que pot anar movent i veure informació (textos i fotografies antigues) associada a diferents punts de la superfície.

Enllaços d’interès:
Sala d’art romànic del MNAC
Amics de l’art romànic
Grup de recerca en modelització, visualització i interacció gràfica de l’UPC

ESCRIT PER MERCÈ BOLLÓ EL 29 DE FEBRER DEL 2008

Edición del catálogo de la exposición
Traducción y corrección de los textos del catálogo y de sala
Centro: Fundación ”la Caixa”, 2007-2008
Diseño gráfico: Lali Almonacid
Diseño del montaje: Lluís Pera

Exposición itinerante organizada en colaboración con Magnum Photos y la Fondation Henri Cartier-Bresson. Se trata de una selección de obras que abarca un período de más de 40 años, entre 1932 y 1979, y que recoge todas las facetas del trabajo de Cartier-Bresson. Los paisajes urbanos ocupan un lugar destacado, al lado de fotografías de hechos históricos, como la coronación de Jorge VI de Inglaterra o la incineración de Gandhi. Los retratos anónimos tienen una fuerza extraordinaria, ya que la puesta en escena involuntaria revela aspectos ocultos de la personalidad de los protagonistas, lo que se evidencia igualmente en las fotografías dedicadas a personajes del mundo de la cultura y el arte, como Alberto Giacometti, Truman Capote, Jean-Paul Sartre, William Faulkner o Henri Matisse, imágenes que se han convertido en verdaderos iconos de cada uno de los personajes.

Cartier-Bresson fue un enamorado de España, país que visitó en distintas ocasiones, y la muestra incluye una serie de fotografías de Barcelona, Madrid, Valencia, Alicante, Córdoba, Granada y Sevilla, tomadas en los años de la República, que tienen como contrapunto una imagen de los años cincuenta que explota la paradoja que se esconde detrás de la realidad cotidiana.

Edición del catálogo y traducción al castellano: Carlos Mayor.
Traducción al catalán: Mercè Bolló.

Enlaces de interés:
Magnum Photos
Fondation Henri Cartier-Bresson

ESCRITO POR CARLOS MAYOR EL 31 DE ENERO DEL 2008